Quelque part entre la culture de masse et la culture d’élite se trouve une culture intermédiaire trouble, souvent décriée. Souvent ridiculisée comme prétentieuse et bourgeoise et décriée comme médiocre, piétonne, conformiste et de second ordre, la culture middlebrow a atteint son apogée entre les années 1930 et les années 1950, alors que de nombreux adultes américains nouvellement issus de la classe moyenne cherchaient à obtenir un semblant de poli culturel et de prestige social. à travers le Book of the Month Club ou les livres Story of Civilization de Will et Ariel Durant et divers ouvrages populaires qui résumaient la science et l’histoire – un sujet richement couvert dans l’étude classique de Joan Shelley Rubin de 1992, La création de la culture middlebrow.
À son apogée, la culture middlebrow comblait le fossé entre l’avant-garde et le kitsch, criard, trop sentimental et insipide, schlock et entre l’élite et la pulp fiction, la tour d’ivoire, l’écriture académique obèse et la musique trash et savante et les airs et jingles populaires. L’objectif de la culture intermédiaire était d’introduire des adultes inégalement éduqués à des versions quelque peu diluées de la haute culture de manière accessible, engageante et non menaçante.
Rien ne semblait mieux symboliser le triomphe de la culture middlebrow que l’éclectisme de Le spectacle d’Ed Sullivanqui combinait comédie, marionnettes et rock ‘n’ roll avec des danseurs de ballet, des spectacles de musique classique et des sopranos et ténors d’opéra.
L’âge d’or de la comédie musicale américaine, en particulier les spectacles de Richard Rodgers et d’Oscar Hammerstein, avec leur mélange exubérant de romance, de nostalgie, de sérieux moral et de prises de position compliquées sur la race, le sexe et la sexualité, a illustré le middlebrow. Tout sauf avant-gardistes, bon nombre de ces œuvres représentaient un amalgame d’une variété de hautes et basses traditions artistiques et musicales, l’opérette viennoise, les rythmes de valse, le dance hall britannique, le vaudeville et la revue musicale.
La culture Middlebrow ne s’est jamais complètement évanouie et pouvait être vue, même dans les années 1950 et 1960 dans les émissions de quiz radiophoniques et télévisées du College Bowl et dans les années 1960 et au début des années 1970 dans les Concerts pour jeunes de Leonard Bernstein et Julia Child. Le cuisinier français séries télévisées, ou dans les années 1980 et 1990 dans les productions cinématographiques Merchant-Ivory de romans classiques de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Aujourd’hui, des vestiges de la culture intermédiaire perdurent, évidents dans la série American Masters de PBS ou dans la série de livres Very Short Introductions d’Oxford University Press et même dans le jeu télévisé. Péril!
Mais dans la société d’aujourd’hui, très soucieuse de son statut, où le capital éducatif et culturel est souvent associé à la fréquentation d’universités privées ou d’écoles d’arts libéraux très sélectives, à une facilité avec des théoriciens comme Pierre Bourdieu et Thomas Piketty et à la vigilance à tout ce qui sent la partialité, à être middlebrow doit être rejeté comme gauche dans le goût, grossier dans la sensibilité et désespérément en retard sur son temps. Vous pourriez aussi bien porter un costume de loisirs ou une robe en matières synthétiques prêtes à l’emploi du défunt détaillant Robert Hall.
Pourtant, en tant que personne qui considère la culture intermédiaire comme une tentative impressionnante et admirable de créer une culture démocratique véritablement ouverte qui cherchait à rendre largement accessible le moderne, le haut de gamme et l’avant-garde, son déclin est un sujet de regret. J’ai personnellement adoré le théâtre et la littérature middlebrow et les considère comme parmi les plus grandes contributions de cette société aux arts et aux lettres et je crois que sa disparition représente une véritable perte culturelle.
Certes, la culture intermédiaire était eurocentrique et insuffisamment attentive aux questions de race et de sexe, bien que la culture de Richard Wright Fils indigène était une sélection du Book of the Month Club en 1940. La culture Middlebrow a également contribué à l’illusion du milieu du siècle d’une société unitaire. Pourtant, ce qui l’a remplacé – une société hautement fracturée et stratifiée dans laquelle de larges pans des arts de la scène sont menacés, le faux populisme règne et la familiarité avec les œuvres canoniques de la littérature, de l’art et de la musique est de plus en plus réservée aux privilégiés – ne me semble pas un signe de progrès.
C’était un essai fondateur publié en 1915 par le critique et historien littéraire Van Wyck Brooks qui a d’abord peint un portrait d’une culture américaine déchirée entre les idéaux savants et savants – par Jonathan Edwards et ses successeurs d’un côté et Benjamin Franklin et sa progéniture de l’autre. . C’était une culture divisée entre l’anglais littéraire et l’argot, entre le professeur inflexiblement prétentieux et enclin à l’abstraction et l’homme d’affaires grossier, vulgaire, cynique et intellectuellement méprisant.
Ce dont cette société avait désespérément besoin, c’était “d’un plan médian entre l’idéalisme vaporeux et l’esprit pratique intéressé” qui comblerait le fossé entre le haut et le bas.
À quoi pourrait ressembler un tel plan médian aujourd’hui si nous devions l’embrasser comme un idéal culturel ?
Le récent de Joseph Horwitz La prophétie de Dvořák : et le destin contrarié de la musique classique noire indique une réponse.
Horwitz, un éminent historien de la musique classique américaine, commence son livre par une déclaration du compositeur tchèque en 1893 : Que « la future musique de ce pays doit être fondée sur » les traditions afro-américaines et amérindiennes. “Cela doit être le véritable fondement de toute école de composition sérieuse et originale à développer aux États-Unis.”
Horwitz soutient qu’à partir du début du XXe siècle, un fossé s’est creusé entre la musique artistique savante et la musique pop savante. L’establishment américain de la musique classique a embrassé le modernisme européen, avec son rejet de la tonalité, des mélodies, des formes et du rythme métrique traditionnels et son intérêt pour l’atonalité, la polytonalité et l’expérimentation sauvage.
Dans le même temps, les institutions établies ont montré peu de respect pour les traditions vernaculaires, noires, ethniques et folkloriques et ont largement refusé de jouer de la musique de compositeurs noirs ou d’employer des musiciens noirs. Les résultats se manifestent aujourd’hui dans l’audience de plus en plus réduite pour la musique classique combinée à une sorte de stagnation créative qui a désespérément besoin d’une infusion du dynamisme et de la vitalité qui caractérisent la musique populaire américaine.
Selon Horwitz, la réponse réside dans le fait de puiser dans toute la gamme des traditions musicales américaines : chansons de tristesse afro-américaines, ragtime, blues, gospel, jazz et genres noirs plus contemporains, mais aussi chansons folkloriques, musique de groupe, hymnes religieux et chansons populaires. de Broadway, Tin Pan Alley, le Brill Building et bien d’autres.
En 1925, Harold Ross, Le new yorkerle rédacteur en chef fondateur de son magazine, a précisé vision: ce serait sophistiqué et urbain mais pas intello. Contrairement à un journal, il serait interprétatif plutôt que sténographique. Il fournirait un guide du théâtre, des films cinématographiques, des événements musicaux et de l’art et des expositions dignes d’être vus et porterait un jugement sur les nouveaux livres d’importance et supposerait un degré raisonnable d’illumination parmi ses lecteurs. Sa « teneur générale sera la gaieté, l’esprit et la satire… »
Ross a conclu cette déclaration par une phrase classiste et sexiste et pourtant qui reste volontairement provocatrice : «Le new yorker sera le magazine qui n’est pas édité pour la vieille dame de Dubuque.
Il y a plus de trois décennies, l’historien de la culture Lawrence W. Levine décrivait l’émergence d’une hiérarchie culturelle rigide en Amérique. Il a démontré que les frontières entre le sérieux et le populaire que cette société tient pour acquises comme fixes, immuables, inévitables et durables sont en fait des constructions sociales et culturelles « façonnées par les préjugés de classe et l’anxiété ethnocentrique ».
Le sien Intellectuel/Faible a révélé une culture du milieu du XIXe siècle « moins hiérarchisée, moins fragmentée en groupements d’adjectifs relativement rigides », des espaces discrets et des genres distincts « que leurs descendants devaient expérimenter ». Levine considère à juste titre le développement de la hiérarchie culturelle et la sacralisation de la haute culture comme une tragédie. Au fur et à mesure que les publics se fragmentaient et ségrégaient, les publics populaires et élitistes ont perdu le contact avec les sources mêmes d’énergie et de créativité qui enrichiraient sûrement la culture expressive de la nation.
Les collèges et les universités, me semble-t-il, devraient jouer un rôle de premier plan dans la lutte contre la stratification culturelle en faisant beaucoup plus pour exposer les étudiants à la richesse et à l’éventail des traditions artistiques, musicales, lyriques et théâtrales qui les entourent. Dans des articles précédents, j’ai mentionné HUM 20010: Exploration in the Arts du Hunter College comme modèle évolutif. Ce cours combine des visites de musées et de salles de spectacle avec des séminaires de signature et des opportunités pour les étudiants de premier cycle d’interagir avec des artistes, des dramaturges, des musiciens et des interprètes.
Je vous invite à suivre cet exemple. Exposez vos étudiants de premier cycle à l’étendue de la créativité expressive; les inciter à appréhender les arts dans leur riche diversité et leur infinie variété. Après tout, une véritable éducation collégiale n’est pas simplement une question de développement cognitif et de formation professionnelle. Il doit également éduquer les sens et les sensibilités.
Steven Mintz est professeur d’histoire à l’Université du Texas à Austin.